Un momento, por favor.
Poliana Lima (Brasil, 1983) es coreógrafa, bailarina y docente, afincada en Madrid.
Desde niña siempre quiso dedicarse a la danza y a la edad de 20 años la asumió como una parte esencial de su vida y como herramienta para hablar de la condición humana y lo misterioso de nuestra existencia. Es licenciada en Ciencias Sociales por la Universidad Estadual de Campinas y formada en ballet clásico y danza contemporánea en São Paulo.
En el año 2011 realiza su primera creación, la pieza corta ‘Palo En La Rueda’. Un año más tarde, comienza a colaborar con la coreógrafa lituana Ugne Dievaityte y el resultado de esa unión artística son las piezas ‘Es Como Ver Nubes’, galardonada con el premio del Público del XXVI Certamen Coreográfico de Madrid, el segundo premio en el Certamen de Una Pieza y el primer premio en el Festival Vila Real en Dansa 2014, y ‘Flesh’, pieza con la que recorren diversos festivales nacionales e internacionales tales como el Fringe Edinbugh Festival, el Spring Forward Aerowaves, el Mercat de Flors, el Dansa València, el Festival New Baltic Dance, la Ventana de La Danza (Madrid en Danza) y en el Theatre Korzo.
En 2013 es invitada a participar en el proyecto europeo ‘Performing Gender’ y crea la performance ‘Cuerpo-Trapo’ para el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, Croacia. En 2014 llega ‘Atávico’, su primer ensemble, que es galadornado con el primer premio en el XXVIII Certamen Coreográfico de Madrid, además del premio del Público, el premio de la Crítica, la Beca Dance Web 2015 (Impulstanz Viena) y la residencia en Tanzhaus, Zurich.
En 2017, Poliana Lima estrenó su solo HUECO en los Teatros del Canal de Madrid y en el Festival BAD Bilbao, y en junio de 2018 empezó su gira nacional e internacional.
Artista Asociada en Conde Duque Madrid entre 2018-2020 donde ha desarrollado su proyecto coreográfico-documental ’Aquí, Siempre’ y ’Las cosas en la distancia’.
En 2020 estrenó ’Las cosas se mueven pero no dicen nada’ en los Teatros del Canal, coproducida por el Festival DDD en Oporto, el CND Pantin/París y Porosus Fonds de Dotation. En 2021 la pieza fue seleccionada para Aerowaves y ha empezado su gira nacional e internacional.
En 2022 estrena la primera parte de su trilogía sobre la identidad con Oro Negro, en el Festival de Otoño de Madrid. En 2024, se estrenará la segunda entrega con The Common Ground.
Pieza
Pieza
Pieza
Pieza
Pieza Corta
Ver a alguien bailar es la manera más directa de verla en toda su complejidad. La danza trabaja con las dimensiones intelectuales, emocionales y físicas de una persona. También pone en evidencia su pasado, coloca a la persona en su presente, revela su deseo y sus proyecciones de futuro. La danza es una forma de conocimiento profundo sobre la vida y sobre uno mismo.
Yo desarrollo mi trabajo como docente teniendo como base este carácter multidimensional de la danza. Independientemente del formato, los ejercicios están concebidos y enfocados para incidir en estas diferentes dimensiones simultáneamente. Las orientaciones y correcciones van en dirección de incrementar la integración y autonomía del estudiante: característica que me parece fundamental en una disciplina artística. En líneas generales, en los espacios pedagógicos que promuevo, ofrezco además de las herramientas físicas propias de la danza, herramientas mentales y emocionales para facilitar el proceso de aprendizaje.
Además, soy consciente del carácter colectivo de la danza y de la responsabilidad que conlleva guiar un grupo, por eso considero una condición primordial crear y sostener un ambiente favorable y seguro para garantizar que los participantes puedan desplegar todo su potencial creativo. Dentro de este marco, mis pilares pedagógicos a la hora de liderar grupos son, por un lado, reconocer a cada alumno en su individualidad e integridad y por otro lado, generar el sostén del grupo, incentivando la cooperación a través del reconocimiento y celebración de las diferencias entre cada uno de sus miembros.
produccion@polianalima.com
Isabella Lima
+34 672859154
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Steve Purcell
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Coro Bonson
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The Common Ground es un sexteto de danza en el que se trabaja con la relación entre lo diverso (diversidad) y lo común (comunidad) desde un abordaje coreográfico ficcional que evoca dimensiones fantásticas, pasando por lo monstruoso y lo mítico.
El reparto está compuesto por 6 intérpretes, 4 de ellos migrantes en España con diferentes perfiles de migración y dos españoles. Cada uno con una herencia cultural específica y con trayectorias artísticas multiculturales; con una vivencia encarnada, en sus identidades y en sus cuerpos, del cruce de linajes culturales.
"O R O NEGRO es un ensamblaje de formas sensibles que dialogan con mis sentidos, con sentidos que comprendo y con sentidos que descubro, un cuerpo femenino se vuelve EÌsuÌ y un cuerpo masculino se vuelve EÌsuÌ, y EÌsuÌ baila ahiì, se desnuda, me mira, me vomita, me vuelve real, me suenÞa, me hace mariposa y me hace humano; me coloca en un teatro para encontrarme con el sur, con el oro, con un hombre, con una mujer; con un ritmo que son todos los ritmos y todas las palabras y todos los sonidos, y todos los sentidos, y todos los soles; y el teatro se vuelve teatro, y la danza se vuelve danza, y el que mira -que soy yo- se maravilla y se pregunta sobre lo real, sobre lo miìstico y sobre la historia. Y cuando me pregunto cosas, me vuelvo humano. Entre todas las risas y todos los llantos: este humano y EÌsuÌ; y el oro; y el carboìn, y el petróleo y un abuelo."...
SHANTI VERA
"La blancura del cubo blanco occidental de repente subvertida y tensionada por la irrupción de lo que se suele ocultar: tejidos blandos, color dorado, expresión emocional. La tripa, el culo, la lengua. Lo que no es hueso, lo que no es espalda, lo que no es brazo. Todo lugares de pliegue: donde habita la vulnerabilidad y la fuerza." ...
ANA FOLGUERA
Oro Negro es un solo a dos cuerpos con música en directo. Se estrenó en el Teatro de la Abadía dentro del marco del 40º Festival de Otoño en 2022.
Oro negro se construye a través de la metáfora del petróleo para asociar poeticamente el proceso excavación de un tesoro con la puesta en valor de elementos y identidades que fueron negados y excluídos en la cultura occidental hegemónica. En Oro Negro el cuerpo es el instrumento que excarba y el objeto excarbado dónde se revela lo demoníaco: la carne blanda, vulnerable y perecedera, lo erótico femenino desde la perspectiva del deseo de una mujer, la negritud y lo popular.
Oro negro concibe el cuerpo como territorio de memoria viva, lugar donde se articulan y se permiten leer las dimensiones biograficas, familiares y comunitarias, las socio-culturales y míticas y espirituales. Esta concepción del cuerpo permite la exploración de las huellas de los procesos tácitos de transmisión de los hábitos, costumbres, violencias, dolores y goces a lo largo de varias generaciones. Explorando estas múltiples dimensiones identitarias, culturales y temporales que conforman el cuerpo como un conglomerado diverso, inestable y dinámico, Oro Negro roza y utiliza los clichés para culminar con un desbordamiento en el que la mirada del espectador se ve obligada a posicionarse.
Cruce es una pieza de danza site-specific para dos bailarinas que se adapta a espacios múltiples. Co-producido con el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Madrid, en cuyo Patio Central se estrenó en octubre de 2022.
Cruce es una fantasía en la que dos mujeres llegan a un lugar desconocido, transformándolo en un espacio diferente a través de elementos como humo verde, trajes futuristas y un tono levemente irónico. Dos mujeres ocupando el lugar de exploradoras y conquistadoras, roles todavía inusuales para mujeres en nuestra cultura. Una coreografía para espacios no convencionales que reflexiona sobre la mirada del público y juega a desestabilizar las habituales relaciones de poder entre este y el performer. Un trabajo en el que un lenguaje coreográfico tradicional y reconocible convive con un espacio sonoro con tintes ochenteros, creando un imaginario que nos remite a las típicas películas de ciencia ficción.
Bajo la apariencia inofensiva de la fantasía CRUCE propone reflexiones sobre el poder, el cuerpo femenino relacionándose con imaginarios de invasión y otredad como amenaza.
Tiempo que pára aunque en movimiento.
Tiempo, movimiento y cuerpo.
El atragantado, lo que no pasa, lo que se repite. Fuerzas que tiran hacia adelante y hacia atrás. Cuerpo partido, numerosas direcciones y voces.
¿Para dónde y por dónde ir?
¿Al final, qué camino es ese?
Atávico, sin intención de crear una narrativa, plantea una experiencia escénica conectada con las sensaciones de violencia y su repercusión en el cuerpo: los paisajes que, como fuerzas ocultas, nos hacen víctimas y verdugos a la vez.
En esta propuesta apostamos por los cuerpos “cotidianos”, fuera de los patrones estandarizados, con la firme voluntad de compartir la belleza del movimiento y la gestualidad cotidianas más allá de los cánones, así como la danza más allá del virtuosismo.
‘Las cosas se mueven pero no dicen nada’ es una coreografía para varios bailarines sobre las posibilidades de movimiento y la idea de permanencia.
De forma abstracta, la pieza se apoya en la idea de que todo en la vida se encuentra en un estado de movimiento constante, y que todas las cosas vivas se mueven. A través de su propia existencia y por su puro moverse, las cosas tienen tanto su valor como belleza. En este sentido, la pieza es una exploración creativa y un homenaje a los ritmos y patrones de movimiento. La coreografía invita a la audiencia a involucrarse en el desarrollo de acciones superpuestas y entrelazadas de los bailarines que les permiten contemplar la belleza, la complejidad y la dinámica de los cuerpos en movimiento. Originalmente con 15 minutos, pero con intención de alargarla.
The current piece is 15 minutes long but the intention is to extend the work to a full length choreography of 45 to 50 minutes in duration”
LAS COSAS EN LA DISTANCIA es un dispositivo coreográfico estrenado en el Centro Cultural Conde Duque en el año 2020. Creada inicialmente con 8 bailarinas, la pieza puede ser ampliada hasta 50 bailarinas mediante la realización de un taller coreográfico para estudiantes avanzadas de danza contemporánea. El proyecto puede ser adaptado a diversos espacios no convencionales.
LAS COSAS SE MUEVEN PERO NO DICEN NADA es una pieza de danza que se apoya sobre las ideas de permanencia e insistencia. Interpretada por un elenco exclusivamente femenino y construida a partir de la sonoridad del cuerpo de las bailarinas, la pieza evoca los procesos de transformación y repetición de la naturaleza, sin hacer alusión a la figuración en la escena.
Las cosas se mueven pero no dicen nada es una pieza escénica radicalmente arraigada en la presencia de las bailarinas, a través de sus movimientos y de cómo suenan sus cuerpos en movimiento. De sus cuerpos que no se desplazan, de sus columnas agitadas en múltiples direcciones, de sus brazos lanzados con violencia y descontrol, se despliega una poética de cuerpos que resisten de pié, que permanecen, cuerpos atravesados por diversas fuerzas e intensidades, en definitiva, un cuerpo colectivo de mujeres que presenta su resiliencia ancestral como forma de estar en el mundo.
Atávico, sin intención de crear una narrativa, plantea una experiencia escénica conectada con las sensaciones de violencia y su repercusión en el cuerpo: los paisajes que, como fuerzas ocultas, nos hacen víctimas y verdugos a la vez.
En esta propuesta apostamos por los cuerpos “cotidianos”, fuera de los patrones estandarizados, con la firme voluntad de compartir la belleza del movimiento y la gestualidad cotidianas más allá de los cánones, así como la danza más allá del virtuosismo.
HUECO es un solo de danza contemporánea que explora las nociones de identidad, origen y tiempo, a través de los conceptos de tránsito y transformación.
HUECO explora en tiempo real las diversas dinámicas y retos de estar presente para uno mismo y para los demás. Está en este 'intermedio', espacio liminal donde las verdaderas posibilidades de ser se perciben primero, luego se viven dentro y a través del cuerpo.
Es un cuerpo danzante en el cual las huellas de un pasado brasileño se superponen y entrelazan con el momento presente forjando un camino en un movimiento dinámico lleno de futuro. Este es un espacio de perpetuo movimiento y cambio.
El alma de esta pieza es un viaje para encontrar y conocer este espacio: un vertiginoso vacío en el que la intérprete puede arrojarse siendo su danza la que le proporciona un nuevo sentido fundamentado y vivo de sí misma. El 'Hueco' del título se refiere a este deseo constante de abrir un espacio para la danza como una afirmación de estar en el mundo en el aquí y ahora.
Más comentários y críticas sobre el trabajo.Desde Marzo de este año vengo acompañando el proceso creativo de HUECO. La nueva pieza de Poliana Lima que desarrolla en la residencia de los teatros del CANAL. El trabajo de Poliana es crudo y arriesgado no solo en lo físico sino también en su búsqueda por una verdad que no existe aun y esta siempre por revelarse. Esa es la aventura en la que todo artista debería embarcarse, ir detrás de aquello que no tiene forma aun. Detrás de una intuición única que despliega su deseo. Cuando veo a Poliana trabajar queda revelada toda su vulnerabilidad en ese intento incansable de acercarse a algo que esta oculto hasta para ella misma. Esta siendo para mi como artista muy inspirador poder acompañar este proceso creativo y volver a pensar el cuerpo y el movimiento junto a ella. Lanzarnos en esa aventura maravillosa de inventar un cuerpo, o dejar que se revele ese cuerpo que ya esta ahi en ella, pero permanecía oculto.
Cuerpo-trapo es una performance duracional creada en el marco del proyecto europeo Performing Gender. Cuestiones alrededor de la (in)visibilidad de género, clase social e inmigración se relacionan con la identidad en esta performance creada para el Museo Contemporáneo de Zagreb, Croácia.
(versión corta de la pieza “Las cosas se mueven pero no dicen nada” adaptada al patio sur de Conde Duque)
En este taller coreográfico recrearemos la versión corta de la pieza “Las cosas se mueven pero no dicen nada” para 30 bailarines, adaptada al patio sur de Conde Duque para ser presentada los días 24, 25 y 26/09 en tres pases diarios entre las 18h y las 19:20h.
Trabajaremos y estudiaremos la repetición de los gestos como recurso coreográfico, los efectos sobre los estados corporales de la persistencia en un único lugar del espacio y la capacidad de escucha y colaboración dentro de un grupo numeroso.
La participación en el taller implica la participación en el coro durante las funciones, que serán remuneradas.
La pieza es especialmente exigente con la movilidad de la espalda, con grandes extensiones, así que es de suma importancia para participar en el taller y muestra que l@s candidat@s no tengan lesiones previas en la columna.
estudiantes avanzad@s de danza.
15 al 18/09 (16:30 a 21:30h)
19 y 20/09 (9:30 a 14:30h)
21 al 23/09 (16:30 a 21:30h)
24 al 26/09 (16:00h a 22h)
Seleccionaremos a 20 participantes para el taller, mayores de 18 años.
Día: 14/09
Dónde: Aula de Danza de Conde Duque
Horario: 16:30h a
21:30h
Resultados: por correo electrónico el día 14/09.
Enviar curriculum resumido, carta de motivación y vídeo de 2 minutos máximo con el asunto “LAS COSAS/CONDE DUQUE/NOMBRE Y PRIMER APELLIDO” al email:
talleres@polianalima.com
Fecha límite de envío del material: 15 de julio.
Resultados: 30 de julio por correo electrónico.
Responderemos a tod@s l@s candidat@s.
"AQUÍ, SIEMPRE es una obra de danza-documental intergeneracional para cuatro bailarinas en la que construimos una poética que reflexiona sobre el paso del tiempo y sobre la percepción del tiempo a través de sus cuerpos, movimiento y biografías. Con una diferencia de 50 años entre la bailarina más joven y la más mayor, la pieza relaciona la danza con el cine documental en su metodología, apoyando su dramaturgia en la historia personal y la relación singularidad y específica con la danza de cada una de las intérpretes Carla Diego, Christine Cloux, Irene Ducaju y Mona Belizán."
“Este un trabajo que te traspasa. Que te zarandea a través del tiempo como edad, del tiempo como ritmo, del tiempo como ritual. Poliana ha sabido capturar las sutilezas de estas cuatro intérpretes y consigue atraparnos en un presente perpetuo, uno con el que solo se conecta a través de la verdad de la danza. Es imposible no sentirse conmovido por la sabiduría ancestral que destilan cuatro cuerpos: eso es Aquí, siempre”
“Una obra magnífica, de una sensibilidad y humanidad evocadora, que adentra al espectador a lo más íntimo de un proceso de creación basado en la esencia de cinco mujeres”
“Presente, Pasado y Futuro están constantemente colisionando en Aquí, Siempre. Como si el deseo de la pieza fuera pensar el tiempo todo junto, todo entero. Pensar la danza como aquello que acontece fuera del tiempo. Siempre pone de manifiesto como el deseo, en relación al cuerpo en movimiento, borra toda noción temporal.”
“Con Aquí Siempre Poliana ha conseguido no solo hablar de cuatro mujeres, cuatro edades y cuatro momentos vitales sino hablar de todas nosotras, de ella misma y por tanto, también de mí. Me reflejo en las dudas, en los esfuerzos, en el paso del tiempo, en las ganas de querer expresarse y en la experiencia catártica que sale de cada una de ellas. Pero sobretodo si tengo que elegir, me quedo con esa atmósfera que ha tejido donde cada una es, un espejo vivo de las otras.”
“Se trata de un juego de espejos inquietantes entre el propio proceso de creación y el paso el tiempo en el cuerpo de las bailarinas. Me fascinó la manera de duplicar los cuerpos en las pantallas especialmente toda la primera parte hasta el baile en silencio. Los vídeos nos empujan a imaginar una realidad paralela donde esos cuerpos en el escenario siguen danzando, recordando que estemos donde estemos (espacio real o virtual) nuestros escenarios forman parte de una gran coreografía!”
"Si migraste de pequeño o naciste en españa siendo tu familia de origen extranjero y tu color de piel no es blanca, cuando escuchas sus anécdotas - que son experiencias personales de un niño que se crió en Huesca, un adolescente negro que escuchaba a Rosa de España y un adulto que intentaba hacerse un hueco profesional como periodista - podrás identificarte inmediatamente con él. Como la mayoría de las personas que estamos en este círculo de palabra (sentados alrededor un vacío fecundo) intercambiando puntos de vista, somos racializades, sus historias conectan de manera directa con nosotras. El suelo se ha transformado en cristal y hielo. Las emociones comienzan a brotar y el vacío ahora es un gran resonador de sensaciones. La gente comienza a hablar. Hablar. Hablar sobre la realidad no siempre es fácil. Se caen fichas importantes. Se desvelan situaciones desagradables. Se recuerda. Se hace memoria. Es posible que cuando uno habla esté tocando las puertas del pasado de otro."
DARIO SIGCO
"Sentir los ancestros en la columna vertebral. Si hay dolor es un antepasado. Igual que si hay un hueso saliente en el pie. En reflexología, el dedo gordo representa la cabeza y a partir de ahí, todo el arco hacía el tobillo es la columna. En Moby Dick se habla de la columna vertebral como un engranaje de pequeños cráneos. Es decir: una secuencia engarzada a través de pequeñas unidades de consciencia. Termina el taller de hoy. Se ponen en la pared. Marina sugiere: «vamos a sacar a pasear el corazón». Recuerdo a Pablo D’ors cuando dice que meditar es poner el corazón en su sitio. Se cierra la sesión a través de distintas palabras que eligen los participantes: abrigo, palabras, té, paseo, caldo."
ANA FOLGUERA
